ce métier peut-il être viable sans passer par la case succès massif ? Selon l’industrie non.

L’industrie de la musique a le potentiel d’être plus profitable qu’elle ne l’a jamais été. La question est de savoir comment et dans quelle mesure les différents acteurs pourront exploiter ce potentiel immense de monétisation de la musique. Peut-être que les musiciens n’en profiteront pas autant que les compagnies qui rendent disponible leur musique de façon totalement illimitée. Ça reste à voir.

Malgré tout, on ne peut pas nier que la vocation de musicien a été démocratisée. Il y a 20 ans, la seule façon dont un artiste pouvait espérer se faire connaître, c’est en signant avec une des Majors et par le fait même, céder tous ses droits. Il y a de moins en moins de Mega-Stars de la musique (le modèle d’affaires n’est plus viable) mais de plus en plus de petits artistes qui sont capables d’en faire une vie. Il y a présentement une émergence d’une classe moyenne, chose qui n’existait pas auparavant.

Cela ne veut pas dire que vivre de sa musique est rendu chose facile. Toutefois, les musiciens ont maintenant les outils à leur portée pour le faire. D’une part, les barrières à l’entrée quant à la création, la promotion et la distribution de musique se sont complètement effondrées depuis l’avènement du monde numérique.

Distribuer son album internationalement coûte maintenant environ 50$ par année. Il s’agit de passer par un distributeur comme Tunecore qui ne prend même pas de pourcentage sur les ventes réalisées, que des frais fixes sur une base annuelle. Cela veut dire que pour ce modest 50$, un artiste peut distribuer son album chez tous les grands détaillants numériques tels qu’Itunes et Amazon ainsi que sur des communautés de streaming par forfait telles que E-Music et Rhapsody. Même si les ventes numériques ne peuvent toujours pas compenser la baisse des revenus liés aux ventes physiques, il faut tirer avantage de la plus grande marge de profit et être capable d’exploiter l’échelle des ventes sur une base internationale, ce qui était beaucoup plus difficile avant.

Pour un nouvel artiste, c’est vrai que vendre sa musique n’est pas une formule gagnante. Il faut bien commencer quelque part. Néanmoins, créer des « fans » et établir un lien de contact avec eux (email, twitter, facebook, etc) a une grande valeur intrinsèque en soit. Bâtir une communauté de Fans est un investissement parce qu’une communauté de Fans, c’est « monétisable ».

Bref, le potentiel est là mais personne ne sait de quel côté le vent va tourner dans les prochaines années. Tout est encore en transformation et très instable. Pleins de nouvelles opportunités mais une difficulté à comprendre comment en tirer profit.

Il faut rester optimiste, continuer de créer, innover et persister.

La valeur de la musique s’obtient sur le moment présent, c’est à dire la prestation live

Il y a des musiques qui ne sont pas conçues pour être joué live, d’autres qui ne peuvent l’être que difficilement. Leurs auteurs souhaiteraient pour autant probablement aussi arriver à en vivre.

J’ai pendant longtemps pensé que le live était le meilleur des moyens pour un artiste de se rémunérer mais c’est un peu plus compliqué que ça.

Les prix des concerts montent et sans les aides de l’état ou des sponsors, les concerts n’auraient pas l’affluence qu’ils ont car les cachets des artistes sont simplement trop haut pour permettre que les promoteurs atteignent la rentabilité.

D’autre part, je pense que la disponibilité de la musique est essentielle, que ce soit sur Youtube et/ou Spotify, enlever sa musique d’internet stimule peut être un peu les ventes itunes (pas sûr de ça) mais surtout les téléchargements sur plateformes de direct download.

C’est vrai que les distributeurs (itunes/spotify/etc.) cherchent avant tout à être rentable et peu se focalisent sur les créateurs, c’est ce qui a permis l’apparition de plateformes comme Kickstarter, entre autres.

La rareté est selon moi de plus en plus dur à atteindre via de la musique enregistrée, tout simplement car la musique comme telle se rapproche de plus en plus d’un service que d’un produit (music like water, gerd leonhard), mais ça ne veut pas dire que ce service est gratuit. Les gens valorisent encore le rapport à l’artiste il veulent simplement qu’on leur propose la musique autrement que comme des packs de lait.

Avec l’enregistrement on était passé à une industrie de production casi classique, en oubliant l’éducation et la sensibilisation, les acteurs de la musique comme produit vont certainement mourir, ceux qui la proposent comme un service (spotify entre autres) vont certainement dans le bon sens et malgré l’argument un peu faut de « l’artiste n’avait rien pour le piratage, il a un peu avec le streaming » ils se focalisent sur l’expérience et la diffusion beaucoup mieux que leur prédécesseurs.

Je crois qu’on se rapproche de plus en plus vers un accès casi illimité à la musique et à côté une valorisation de la relation artiste/fan (D2F) qui se fait tant en concerts que via les services internet.

Il y aura toujours des gens sensibles à la musique prêts à payer pour un peu plus que de la simple écoute, par contre ce n’est pas pour autant qu’il faut enlever cette écoute à la majorité qui est prête à payer un peu pour supporter l’artiste mais n’a pas la possibilité de s’offrir du contenu exclusif.

On parle de crise et de diminution du pouvoir d’achat, évidemment le porte feuille des fans n’est pas extensible et il n’est plus aussi plein qu’il l’a été dans la période (révolue) prospère de l’industrie musicale. Il ne faut blâmer personne pour ça.

Par contre faire comprendre aux gens que Kanye West et Lady Gaga sont des produits du showbiz et que la vie d’artiste est plus proche de celle du travailleur de classe moyenne voire basse serait peut être une avancée. Tâche plutôt compliqué si on ne veut pas tomber dans le misérabilisme et garder un peu d’onirique dans la qualité d’artiste (ça vend le rêve…).